Feito de sangue, carne, ossos, entre outros compostos, as Trouxas Ensanguentadas foram jogadas no rio em Belo Horizonte e criticava a Ditadura Militar
Sem ateliê fixo, seu espaço de criação é um caderno de anotações. O material: sangue, café, urina, terra e qualquer tipo de composto perecível, tornando sua obra efêmera. Opondo-se ao mercado da arte, suas obras são criadas e decompõem-se no próprio local, restando apenas como fragmentos os registros fotográficos. Radicado no Rio de Janeiro desde os 10 anos, o artista português Artur Barrio rodou o mundo em busca de uma arte sem fronteiras e, em junho de 2011, será o representante brasileiro na 54ª Bienal de Veneza.
Eleito por Agnaldo Farias e Moacir dos Anjos, responsáveis pela 29ª Bienal de São Paulo, Barrio é o símbolo da diversidade característica da produção artística feita no país. Entre os trabalhos que questionavam a própria produção da arte, o consumo e a sociedade, um dos seus mais emblemáticos foi a obra Trouxas Ensanguentadas, depositadas em um córrego em Belo Horizonte e que fazia uma dura crítica ao estado de exceção vivido pela ditadura militar, em 1969. Desafiando o caráter formalista dos museus, grande parte de sua obra foi construída em espaços urbanos, com compostos vivos e em movimento. Veja a entrevista que o artista deu ao Guia da Semana.
Guia da Semana: Como você recebeu essa indicação para representar o Brasil na Bienal de Veneza?
Artur Barrio: Geralmente eu não me interesso muito por esse tipo de convite, haja visto que sempre trilhei um caminho paralelo. Mas como já participei da Documenta de 2002 - exposições da arte contemporânea internacional que ocorre a cada cinco anos em Kassel, Alemanha - e de algumas Bienais, de uma maneira geral decidi aceitar. Fiquei surpreso e de uma certa maneira contente, porque sou de nacionalidade portuguesa, embora meu trabalho tenha se iniciado aqui no Brasil. Agnaldo Farias e Moacir do Anjos colocam ele em uma outra abertura em relação a realidade atual no Brasil, por isso achei bem interessante.
Guia da Semana: Você já tem em mente alguma obra para expor em Veneza?
Barrio: Eu trabalho de uma maneira diferente de outros artistas. Não preparo um projeto e coloco em prática tal e qual está no papel, dentro de uma ótica de começo, meio e fim. Geralmente, tenho uma ideia, desenvolvo um pouco com algumas variantes materiais e finalizo utilizando o espaço vazio, livre, como se fosse o meu ateliê. Espero não transportar nada para lá do que vou fazer e os materiais, inclusive, penso em utilizar do local mesmo, em Veneza.
Guia da Semana: Além de expor no Pavilhão Brasil, abrigado nos Giardini de Veneza, o Ministério da Cultura pretende alugar um espaço para uma mostra histórica. Como você viu esse destaque maior para a sua obra?
Barrio: Meu ponto de vista sempre diferiu de certas posturas artísticas, tanto do Rio como de São Paulo, então eu acho que radicalizei um pouco mais. Que havia um interesse, isso havia, tanto que historicamente eles me situaram com mais precisão. Acho que, quanto a isso, mais cedo ou mais tarde esse reconhecimento viria.
Foto: Nathalia Clark/ APH
Espaço reservado na Bienal: Da Inutilidade da Utilidade da Política da Arte
Guia da Semana: Apesar de nascer em Portugal, você passou a maior parte de sua vida aqui. A arte para você tem nacionalidade?
Barrio: A minha formação, digamos, que é brasileira. Acontece que também viajei muito, fui para a França, Irlanda, Portugal, Itália e Holanda, mas sempre com o vínculo de ir e vir. O bizarro disso tudo é que em Portugal sou considerado artista brasileiro, aqui sou considerado artista português, então esse convite para Veneza desmancha esse regionalismo. A arte aponta a nacionalidade como algo abstrato, a arte tem outra dinâmica que não é entre fronteiras.
Guia da Semana: Você foi um dos primeiros artistas a realizar gigantescas instalações, que fugiam dos padrões museológicos. Esse conceito de arte pendurada na parede, com o público observador à distância, caiu por terra?
Barrio: O meu trabalho, junto com outros artistas, é transgredir o conceito de arte moderna. Então, nesse ponto, os museus em geral estavam mortos. O conceito de ver uma obra em determinada posição, bidimensional ou tridimensional (no caso da estrutura), os limites tanto visuais, táteis e olfativos caíram para outros espaços, e isso começa com Lygia Clark, Oiticica e Lygia Pape.
Guia da Semana: Nas suas obras estão presente materiais efêmeros e orgânicos, como sal, sangue, carne, pó de café. Porque usá-los?
Barrio: Optei por esses materiais justamente porque não tenho ateliê, então tem a questão do acumular e guardar. Meu objetivo é questionar o mercado e os fetiches dos objetos. Criei o que seria o registro do trabalho, que é uma pequena memória, um fragmento da obra. Não considero esse registro como uma obra, a obra foi sim, realizada, mas ela é efêmera, acabou. Isso cria todo um senão, que pouco a pouco está sendo aceito mais ou menos pelo meu ponto de vista e não pela coisa da arte conceitual, como algo que seria a fotografia o ponto final do trabalho. Aquilo é simplesmente um pequeno fragmento que ficou na memória, já que não tem cheiro, não tem a espacialidade tridimensional. Penso que os museus têm que se adaptar às novas tendências da arte de uma forma democrática.
Guia da Semana: Como você definiria a sua arte?
Barrio: Acho que estou chegando a ponto de uma arte aventura, de uma arte ultrapassa os limites de condicionamento - embora participar de Bienal, como a de São Paulo e Veneza, sejam formas de condicionamento. Primo pela liberdade e por uma postura dentro de uma certa radicalidade. Defino a arte como um grito de liberdade e ação.
Guia da Semana: Você já afirmou que, quando vai pensar em sua obra de arte não costuma pensar em mais nada. Como vê a relação da obra com o público?
Barrio: Acontece que, se eu for pensar em termos da participação do espectador e de que maneira ele sentirá, verá ou ficará diante do trabalho apresentado, já estou criando a sedução usada constantemente pela publicidade para vender o seu produto. Há 20 anos, ainda achava que havia esse lado da comunicação e tudo mais, mas hoje vejo que o público não é tão puro, tão ovelha, tão ingênuo. Acho que há toda uma perversão em seduzir para conseguir o que quer. Passei então a não me interessar pela participação do público, só no interesse pelo trabalho que suscite uma dinâmica de pensamento e de percepções. Não quero o condicionamento de pensamento, quero apenas que as pessoas vejam e compreendam alguma coisa, agora o que ela irá compreender ou sentir, isso é delas, não meu.
Foto: Louis D. Haneuse
Livro-carne, um pedaço de carne talhado em forma de livro que, após alguns dias, decompõe-se diante do público. Tinha que ser reposto a cada 3 dias
Guia da Semana: Como você viu a temática da Bienal de São Paulo e as polêmicas geradas por alguns artistas?
Barrio: Achei normal. Evidente que há trabalhos ali que dariam polêmica antes mesmo de serem montados. Aí entra o esquema da publicidade, como a obra dos urubus (Bandeira Branca, de Nuno Ramos) e do Argentino com os painéis dos candidatos (A Obra Nunca Pensa sem Imagem, de Roberto Jacoby). A política das artes é inútil e por isso o meu trabalho exposto lá se chama A Utilidade da Inutilidade da Política. É aquela coisa tipicamente latino-americano, da política sobrepor a criação artística, então fica uma coisa estranha, um engajamento troncho. É uma revolução que não é estética, artística, não é nada.
Guia da Semana: Quais as carências que o artista sofre no país?
Barrio: O sistema da arte é pequeno e complexo. O mostrar é importante para que o trabalho seja visto, discutido e colocado dentro do processo que se chama circuito da arte. Mas se o trabalho já tem um posicionamento atípico em relação ao mercado, materiais, estética que apresenta ou o produto final, vejo que é difícil ingressar em um circuito. Quanto à demanda internacional para exposições coletivas e participação em livros, não posso dizer nada ao contrário, meu trabalho está ai no mundo, muito bem aceito, em alguns pontos aceito mais lá fora do que aqui. Moacir dos Anjos e Agnaldo Faria colocaram o meu trabalho dentro de um ponto de discussão e posicionamento na arte diferente aqui no Brasil, então acho que esse ponto agora é o máximo nos meus 40 e poucos anos de trajetória.
Guia da Semana: Qual a importância e o papel do curador e a relação com o artista?
Barrio: Conheci curadores muito arrogantes, outros nem tanto, o que me fez pensar que o curador é uma necessidade desnecessária. Afinal, ele vai curar o que? Ele vai escolher os trabalhos? Vai opinar como a obra tem que ser feita? Aí já estamos falando de arte moderna, uma arte completamente acondicionada a um mercado, há um tipo de gosto. No momento da criação, nem o próprio artista sabe o que está fazendo, como o curador vai poder situar o que quer que seja? Na Bienal de São Paulo não havia projeto, não havia curador, somente a pessoa que abriu as portas do recinto e permitiu que fizesse o meu trabalho. E é assim que trabalho. Moacir e o Agnaldo abriram um novo tipo de relacionamento com o artista, com diálogo.
Atualizado em 10 Abr 2012.
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